舞台『ハリー・ポッターと呪いの子』を観に行ってきました。「たまには映像だけじゃなく、生の舞台を観にいくと文化的知見が広がるはずだ」といった感じで家族に薦められて、なるほどたしかにその通りだ、と思ったのがきっかけです。劇場は東京・赤坂にあるTBS赤坂ACTシアター。大学の通学経路にも近くて、アクセスのいい場所でした。 思い返してみれば、私は演劇とかミュージカルといったものを、おおよそまじめに観た経験がありませんでした。リビングのデカいテレビで、宝塚の『はいからさんが通る』の上演映像を楽しんだことはありましたが、逆に言えばそれくらいです。そんなわけでいったい舞台とはどんなものなんだろうかと心の内で楽しみにしていました。 チケットを片手に 地下鉄の駅から階段を上がってくると、すぐにTBSの本社ビルが見えてきます。ACTシアターはそのすぐ隣の建物です。すでにハリー・ポッターの世界観が、劇場の外まで（なんなら赤坂駅の構内まで）広がっていて力の入れ具合が伝わります。 劇場って色々な演目をやっているものだと思い込んでいたのですが、ここはどうやらそうではなくて、現在のところはハリー・ポッターただ１つに専念しているみたいです。ただ、舞台を観た後では「これほどの演出だと、そりゃ専用劇場になるわけだわ…」という感想に変わります。 開演前の舞台を撮ってOKとのことで１枚。S席で楽しむことができました。お客さんは女性比が若干高いかなという印象でしたが肩身が狭いというほどではまったくありません。舞台によってはもっと男女比が偏っていることもあるんだそうです。 私はビビリなので開演20分前くらいには椅子に座っていました。ところがS席であるにも関わらず、開演10分前になっても周りがガラガラです。人気のハリポタ舞台、休日で満席近いはずなので「どういう状況？」と思っていました。面白いのがここからで、開演３分前くらいに、いかにも友達どうしって雰囲気のお客さんが何グループも入ってきます。しかもみんな「ギリ間に合った…！」と駆け込む感じじゃなくて、「さぁ今日も観るぞ…！」という顔。気がついた時には、見渡す限りの座席がどれも埋まっていました。 視界のいい席だったこともあって、どうやら周りが観劇ガチ勢のお客さんばかりだったらしく、みんな場馴れしているからこその入場作法だったようです。お客さんもプロって感じ。目に入るすべてが興味深い世界です。 高い完成度で演出される魔法の数々 『呪いの子』の時間軸はハリー・ポッターの19年後の世界。ハリーの子ども世代がわちゃわちゃし、周りの人物が巻き込まれてゆくお話です。シナリオはおなじみ、原作者のJ.K.ローリングさんが書いています。ハリー・ポッターの本もしくは映画を過去に一度楽しんだ人であれば、概ねついていけるように作られていると感じました。良いシナリオです。 さて、映画であれば魔法はCGを使って表現できますが、現実の劇場だとそうもいきません。 しかし驚くべきことに、照明や舞台装置を駆使した技術によって、体感では映画の表現と遜色ないくらいに魔法が再現されています。謎の技術によって、ワイヤーも見えないのにホウキが浮いたり、タイムターナーがくるくる回ったり、どう安全を確保しているのかさっぱり分からないですが、火柱が演者をかすめたりします。いずれも圧倒されました。そりゃあACTシアターがハリポタ専門になるわけです。 なかなかこの凄さを伝えるのが難しいので、公式のプロモーションビデオを参考に紹介します。以下の2つのPVには「ここはCGかな」と思うような効果がぱっと見いくつかあると思います。ところがこれら全てが、どういうわけかまったく同じ見た目で舞台上に表現されてしまうわけです。脳がとてもバグります。ディズニーランドに行ってアトラクションの技術面ばっかり気にしちゃうような人にとっては、おそらく最高の舞台かと思います。 空間と時間の織りなすリズム 場面転換のたびに、登場人物がマントをバサッとやって入退場していきます。音楽とマッチした緩急のついた動き。モーショングラフィックスのチュートリアルで、イージングの概念を知った時くらいの新鮮さがそこにはあります。 舞台の展開に、場面転換・音楽・照明・魔法の効果で作られた心地いいリズムがあるわけです。伝わりづらい例えかもしれませんが、URA AC-promenadeさんによる〈物語〉シリーズの映像に込められたリズム感にも近いものを感じます。というか、URAさんの映像って改めて見てみると1つの劇みたいだなぁと。 舞台を楽しむ手段には、映像と観劇の2つの手段がありますが、両者の最大の違いは「舞台のどこにフォーカスできるか」です。舞台映像を視聴する場合は基本的にレンズで切り取られているので、どうしても喋っている登場人物が大きく印象付けられてしまうのに対し、観劇では舞台上のどこを見ても自由です。好きなところに目線を運ぶことができます。 上演中、いつもメインの登場人物だけが喋っているわけではありません。例えばホグワーツ特急の車内では、他の生徒たちが周囲の座席で会話を繰り広げています。どんなシーンでも照明が当たっている限り、基本静止する人物というのが存在せず皆生きています。そういったシーンで、主人公以外にもフォーカスできるのは観劇の面白いところで、これは世界観にどっぷり浸かるうえで大切な要素なのではないでしょうか。まるで『らき☆すた』OPのガヤ部分みたいに、全員が喋っていて、全員に動きも与えられているイメージ。このイメージを体験できるのは観劇の醍醐味です。 記憶に残るサウンド 音響も素晴らしかったです。本作ではタイムターナーというタイムマシンがひとつのキーアイテムですが、これが使われる時にすさまじい重低音が響くので、ぐっと観ている側も時間軸に引き込まれる感触があります。映画館よりも凄い重低音で、まるで風を感じるようなレベルです。それから、ディメンターさんが登場する時のサウンドは普通に怖いので、あれは小さい子どもが見たらたぶん泣きます。関係あるのかどうかは知りませんが、未就学児は入場不可です。 こんなカワイイものではない。 演者さんの滑舌が良いのは言うまでもないことですが、早口のセリフが3時間(途中休憩ありではあるが)ほぼぶっ通しで耳に飛び込んでくるので、観ている側も頭がフル回転になります。閉幕直後、帰宅するまでは不思議と疲れはなかったのですが、その晩寝たときの夢は延々とハリポタのセリフが流れていたので、記憶にはいい刺激になっているんだと思いました。 あんまり語りすぎるとネタバレになってしまうので控えますが、舞台が持つ独特の時間・空間は、想像していた以上に記憶に深く刻まれるものでした。リピーターがいっぱいいるのも納得です。劇場に足を運んで本当に良かったです。 上映3時間は腰に悪いですが、充実した最高の3時間です。

みんなに愛されてきたTwitterが、いつの間にか実業家のイーロン・マスクさんに買い取られ、気がつけば「X」という名前になり、ついムキになって「こんなTwitterやめてやる」と威勢のいいことを言っておきながら、結局いつもTwitterを離れられない人たちを見て、悪い笑みを浮かべている日々です。SNS激動の2023年もあと2ヶ月弱で終わります。 もし明日の朝、Xのタイムラインが消滅していたらどうしましょう。そのような場合、私はツイート(ポスト)する代わりにeizo-gak.comで発信をつづけることにします。DMの代わりには、映像学区のメールをどうぞご活用ください。 しかし私がeizo-gak.comを立ち上げた理由は、なにもXが死んだ時の備えのためだけではありません。もともと個人サイト特有の自由な雰囲気が気に入っており、そんな環境で良い文章を書いてみたいという憧れがあったからです。 インターネットのいいところは、誰でも自由に独自の意見や経験を発信できるという自由さです。テレビや書籍とは異なり、特別な資格や肩書きが必要なく、個々のユニークで斬新な発信が可能です。誰が書いたのかは分からないので信ぴょう性はおいておくにしても、各々の興味深い体験や独自の視点にアクセスできます。 このような特徴をいちばんよく汲んでいるのが、個人ブログに日記的に書かれた文章だと思います。Google検索で見つけるのは難しくなってきましたが、今でも純粋に執筆を楽しむことを重視した、商業的な側面を持たない個人ブログというのは存在しています。（Hugoというホスティングサービスで建てられたブログはこの傾向が顕著。おすすめ。）こうしたブログは、執筆者の文章への情熱が溢れていて、「この人は本当に文章を愛しているんだな」という感覚が伝わってきます。 私はどうもニワカながらに個人サイト文化を崇拝しているところがあって、eizo-gak.comにもその思想が映っています。そういえば最近ホームページの真ん中あたりに、バナーの表示エリアを追加しました。せっかくならば我がサイトでも、古き良き相互リンク文化の再現をやってみようというわけです。 第一弾として「とうかみ日記」様とのバナー交換が実現しました。もし精力的に個人ブログで文章を書いている方で、映像学区とのバナー交換をしたいという方がいらっしゃいましたら、DMまたはメールでご連絡いただければと考えています。 それから、動画を作る時間がなかなか取れないうp主にかこつけて、「時間ねぇー」のバナーもお借りしています。こちらは、昔ながらの個人サイトによく貼られていたWebリングバナーです。白黒のバナーってどんなサイトにも馴染むので良いなと思いました。

季節ごとの記事を書き始めてからもう1年が経っていた。投稿頻度がけっして多いとはいえない映像学区ではあるが、「うp主が現在何をやりたがっているか」というロードマップをこうして季節ごとになんとなく提示している。これはみなさんとのコミュニケーションを図る上で、それなりに意味があることだと思う。 まずはこの夏を振り返ろう。とにかく猛暑と忙しさで大変だったが、なんとか2本の動画をアップすることができた。ともに写真のデザインについて独自の視点を含めた意見となった。 レタッチの話題については、かねてより視聴者から要望を頂いていたもので、ようやく形にできて嬉しい。ある意味で答えのない「色いじり」という話題に対し、コメントや引用ツイート等で様々な意見が寄せられ、とても参考になった。いまの私のレタッチは、いくらか強引だったり統一感がなかったりするので、もう少し学びを深めていきたい。 つづいてブログについて。 こちらは週1くらいの頻度で投稿することができた。とくに人気が高かったのが「高校文化祭のPV映像づくりで求められるもの」という記事だ。私の高校時代の体験を振り返って、当時の試行錯誤をみなさんにも共有した。こちらも引用ツイート等でたくさんの感想が届いており、とてもハッピーな気持ちになった。 映像の準備にはなんだかんだ数ヶ月単位の準備が必要なので、正直、文化祭シーズンの9月に執筆したのは遅すぎたかもしれない。私はなにごとも思いついた時に書きたい人間なので、そこのところは許してほしい。 改めて、このブログはこういう珍しい記事を書くにはかなり良い環境だと感じた。尺が短すぎたり、主張が尖っていたりして、ゆっくり解説に仕立てにくい原稿もたくさんあるので、ひきつづき活用していきたい。 しばらくお休みをいただいている、ゆっくり写真旅についても進捗を共有したい。 現在手元には、今年2月に日本一周の旅をした際の記録がある。その総データ量は500GBにも及ぶ。現在、3部構成のドキュメンタリーにするべく制作を進めており、このうち第Ⅰ部はすでに完成している。うまくいけば3部あわせて、来冬以降に公開できそうなので楽しみにしていてほしい。 さて、ここからは執筆中の原稿について。 ゆっくり映像学区の動画ではこれまで、動画やデザインについてのお話をメインに進めてきた。しかしこの秋からは新たに「プレゼンテーションスライドのデザイン」についても研究していきたいと考えている。一応ディスプレイに映るもなら何でも「映像」といえるだろうから、たぶん視聴者も許してくれるはずだ。 スライドデザインに興味を抱いた理由はいくつかあるが、詳しいことはまた別の機会に話すことにしよう。当チャンネルの視聴者には高校生や大学生も多いようなので、そういった層に役立つようなコンテンツを充実させていきたい。

みなさんこんにちは。映像学区です。 夏休みが終わっていよいよ忙しい秋がやってきました。学校では文化祭を控えているというところも多いでしょう。映像学区のファンの中には中高生の人もたくさんいるらしいので、今回はそういったジャンルの記事を書きます。 近年はSNSが普及したこともあって「動画」が身近なメディアとなりつつあります。それは中高生の文化祭でも例外ではありません。「開会式で派手に映像を流そう」とか「広告映像を作ろう」みたいな企画が浮かびます。 私は実際に、高校2年生で文化祭の開会式映像(講堂でバーンと流すタイプのやつ)を担当した人間なので、そこで得た知見を踏まえて心構えを共有できればと思います。この記事では、撮影テクニックや編集テクニックについて一切書きませんが、うちのチャンネルの動画を観ると、映像やデザインに関するいろんな知識が手に入ります。 本記事は個人の体験談がベースなので、参考にできるところだけ参考にしてください。 文化祭映像に関わる魅力 文化祭で映像を担当しても別にバイト代は出ないし、正直ただ忙しくなるだけです。しかしそれでも関わる意味が大きいと思います。なぜなら文化祭は「デカいプロジェクトのくせに失敗が許される場」だからです。 学校によって様々ですが、文化祭実行委員(文実)も一般生徒も「映像の完成度はせいぜいアマチュア程度だろう」とタカを括っているところがあります。そんなわけで変に気負うことなく、自分の出せる最高の作品を持ち込むことができます。 趣味で映像を勉強するうえで一番困るのはおそらく「映像の題材」です。ところが文化祭の場合、題材が豊富に与えられているので悩むことがまずありません。しかも校内上映であれば、楽曲権利関係もさほど気になりません。こんな機会はめったにないです。いろいろなスキルが身につくのでぜひ関わるといいです。 制作準備に4ヶ月～半年は見込む 大きなプロジェクトですから時間に余裕をもつことは大切です。企画にも撮影許可にも逐次連絡にも制作にも、想像以上に時間がかかります。私の場合は「PC使えるヒマな人がキミしかいないから」という理由で、文実の人から上映5ヶ月前くらいに話を持ちかけられたと記憶しています。これはとてもいいタイミングでした。 相手の仕事の質を信じない 制作するうえでいろんな人と関わると思います。生徒会さん、文化祭実行委員さん、教員さん。大切なのは自分以外の仕事の質を信じすぎないことです。とくにスピード感は皆無です。たとえばLINEの返信がすぐくると思わないことです。連絡だけで1週間かかる人もいます。そうでなくとも許可申請にはそれなりの時間がかかります。 映像で仕事をしている高校生の方は、むしろ注意が必要かもしれません。大前提として文化祭はビジネスではありません。ボランティアです。関わる相手の性質が違います。おそらく映像で生徒会や文実と関わっていくうえで、そういった団体の学生たちの責任感のなさには驚愕すると思いますが、まぁそれはそういうものです。観察して楽しみましょう。先輩のせいで苦労している後輩役員がいたら仲良くしてあげてください。 いろいろ要求してみましょう。「これやっておいて」ではなく「〇〇日までにこれをやってくれ」と期日を指定すれば、たいていみんなやってきてくれます。ただし稀にやってこない人もいるので、締切の1週間後に提出されることも想定しておきましょう。 先陣きって進捗管理をやりまくれば、「映像担当だけはしっかり者だ」となって、全然役職もない学生のくせに、ふだん立入禁止の生徒会室に出入りできるようになったりします。そこでいろんな話を聞くと、良いアイデアが出たり、思わぬ助っ人が現れたりします。生徒会や文実のガバさは敵対するものではなく、むしろ利用するべきものです。 テクニック自慢ではなく「みんなが楽しめる企画」を YouTubeで「文化祭 PV」って検索すると、すっごいゴリゴリのCG映像が出てきたり、逆にシネマティックでエモエモな青春映像が出てきたりします。どれもすごいですよね。よう作るなぁって思います。 たいてい「我々もブームに乗っかって同じことをやるか」となるわけですが、それだけでは企画として甘いというか、追求がたりないと思います。観る側や作る側の視点でちゃんと考えてから企画をつくるべきです。「それはわが校に合うか？」「観ていて楽しめるか？」「そもそも作れるのか(劣化コピーにならないか)？」「もっとアレンジできないか？」という疑問は重要です。 仮にすごいテクニックを持っていたとしても、それを100%活かすには企画がだいじです。このあたりの話は、以前投稿した「2つのデザイン」という動画を観るといいかもしれません。 例：ギャルゲ式、文化祭映像企画 私が高校生の頃は、「バカッコイイ動画」のような一発芸動画が流行っていた時代でした。それを文化祭の開会式で流した年もあったようなのですが、芸がビミョーだとただの内輪の盛り上がりで終わってしまいます。自分の学校の場合、仮にこういう映像を全校生徒の前で上映しても、講堂に英単語帳を持ち込んで読み始める人が増えるだけでした。 いくら校内とはいえ上映中に単語帳を読む人が出たら"負け"なので「企画にテコ入れしないとやばいぞ」と思いました。 秀でた芸を期待できるメンバーが全くいなかったので、芸能路線は真っ先に捨てました。というと実写できれいな映像を作るのがよさそうですが、あいにく画質の良い撮影機材はありませんでした。仕方がないのでモーショングラフィックスをしようと思いました。でも自分は3DCG分からないし、そもそも図形が動くだけで一般ウケするのか疑問が残りました。 AviUtlの勉強をしていたとき、たまたま「春音アリス＊グラム」というギャルゲのOPムービーに出会いました。そこではキャラクターの立ち絵とモーショングラフィックスが融合していました。それを見て「あれ…コレ、女の子の立ち絵のかわりに、役員生徒の写真を動かしたらめっちゃ面白いじゃん」と気づきを得ます。 ギャルゲから学べる点はたくさんありました。 ギャルゲのOPムービーでは、ゲーム内の台詞や舞台設定がテキストアニメーションになって流れます。それを参考に文化祭のスローガンやらメッセージやらを盛り込みました。キャラ紹介には声優名がセットですが、そこに「屋外模擬店担当」みたいな役職を入れました。背景イラストのかわりに校舎の様々な写真を使いました。曲がまったくのギャルゲパロディーだと萌え萌えしすぎて会場興ざめですから、手持ちの同人音楽に合わせました。 参考にしたものはトリッキーでしたが、結果としてメッセージ性があって、生徒に刺さる映像に仕上がりました。コンプライアンス上YouTube等で公開できないのがもどかしいくらいです。 おそらく「文化祭の映像→ギャルゲっぽいアニメーションで役員・教員を紹介」なんてことをやった学校は世界初ですが、これが思いの外ウケがよかったのです。上映中の反応が明らかに改善したほか、作風が他校に波及したり、翌年以降の文化祭でも”ギャルゲ文化”が引き継がれて改良されていたりします。母校に妙な文化を残してしまいました。…

「語り 冥鳴ひまり」のきっかけ 先日投稿した「TAMRON 11-20mm F2.8 レビュー」の動画では、普段のゆっくりボイスに加えて、VOICEVOXの冥鳴ひまりさんの音声を採用しました。今日はこの試みについてお話ししたいと思います。 写真旅の舞台は東京都の御岳山。梅雨どきのしっとりした森の中、ぐねぐねとした参道を歩いて写真を撮りました。かつて映像学区で訪れた紅葉の高尾山とはちがい、この日は登山客も少なく幻想的な景色が楽しめました。にぎやかな山もしっとりした山も味があっていいものです。 芳醇な御岳山の雰囲気をお伝えするために、この動画ではクラシックなBGMを選んでいます。制作中、ピアノと弦楽器で構成された静かな音源に、ゆっくりボイスでナレーションを加えたのですが、いまいち空気感にまとまりがなく悩んでいました。 そんなある時、NHKのドキュメンタリーを観ていて「語り」の存在に気づきました。しばしばドキュメンタリー作品では、通常のナレーションとは別で、著名な演者を採用した「語り」が挿しこまれます。たとえば『新日本風土記』という番組では、大部分のナレーションをアナウンサーが担当しますが、番組中盤の数十秒だけ*1、松たか子さんがカッコいい決めゼリフを入れる箇所があります。「語り」によってチャプターの切れ目を視聴者が認識でき、一気に雰囲気が締まります。 私はこの「語り」をぜひ映像学区の写真旅でやってみたいと思いました。これが、より生声に近いVOICEVOXの冥鳴ひまりボイスに興味を持ったきっかけです。 VOICEVOX WEBサイト - https://voicevox.hiroshiba.jp/ VOICEVOXを用いた調声の感想 個人的に、VOICEVOXの調声はゆっくりボイスよりもはるかに難しいと感じています。ゆっくりボイスより声質がリアルであり、その分アラが出たときに目立ってしまうからです。とくにひまりちゃんボイスは、調声に本気を出せば心がぞわっとするほど良い声になるんだけど、単に言葉を打ち込んだだけでその品質を出すのはなかなか難しいです。 今回の動画ではYMM4ですべてのセリフを打ち込み、1フレーズごとに、イントネーションの細かな調整も行いました。不慣れでリアリティを追い込み切れない部分もあったのですが、個人的にはかなり満足しています。ただし、これらの作業はそこそこ大変なので、2~3分くらいの文章量が自分的には限度だと思っています。2~3分というとたしかに短い時間なのですが、これを「語り」部分として使えば、ぞわっとくる演技を一瞬挟むことができて魅力的です。 編集していて気づいたのは、ゆっくりボイスとひまりちゃんボイスを組み合わせるのはかなり難しいということです。両者を交互に喋らせるのも検討したのですが、音圧のせいかナレーションに統一感がなくなってしまうように感じます。 ライブラリがバラエティ豊富なのはVOICEVOXの魅力の1つです。今回使用したひまりちゃんボイスは、閑静なシーンやシリアスシーンに向いています*2。彼女のような、すこぶる落ちつきのある自動音声（キャピキャピしてない自動音声）はあまり見たことがなく、時代も変わったなぁと感動しています。 ※1:年によって構成が変わるため現在では観られない可能性もある。※2:彼女の声は常体(ダ・デアル調)の原稿と相性がよいためこのようなシーンに馴染む。